2009/05/18

Familia de CARLOS IV



Este es un cuadro pintado por Francisco de Goya en 1800. Actualmente este famoso
cuadro esta expuesto en el Museo del Prado, (Madrid). Como se puede apreciar en el cuadro pintado sobre lienzo aparece la familia de Carlos IV.

En la imajen aparecen catorce personas, todos familiares de Carlos IV. Destacan personajes como el rey Carlos IV situado en el centro a la derecha vestido de negro y lleva una banda blanquiazul. La de la izquierda es la reina María Luisa de Parma en el centro de la escena, como señal de poder ya que era ella la que llevaba las riendas del Estado a través de Godoy. A su lado aparecen dos de sus hijos. La que aparece con la cabeza vuelta es la hermana de Carlos IV; un personaje desconocido que podría ser destinado a colocar el rostro de la futura esposa de Fernando cuando éste contrajera matrimonio.

Alrededor de esta obra existe mucha literatura ya que siempre se considera que Goya ha ridiculizado a los personajes regios. Resulta extraño pensar que nuestro pintor tuviera intención de poner en ridículo a la familia del monarca; incluso existen documentos en los que la reina comenta que están quedando todos muy propios y que ella estaba muy satisfecha. Más lógico resulta pensar que la familia real era así porque, de lo contrario, el cuadro hubiese sido destruido y Goya hubiese caído en desgracia, lo que no ocurrió.
El artista recoge a los personajes como si de un friso se tratara, en tres grupos para dar mayor movimiento a la obra; así, en el centro se sitúan los monarcas con sus dos hijos menores; en la derecha, el grupo presidido por el príncipe heredero realizado en una gama fría, mientras que en la izquierda los Príncipes de Parma, en una gama caliente.

Todas las figuras están envueltas en una especie de niebla dorada que pone en relación la obra con Las Meninas.

2 DE MAYO DEL 1808



2 DE MAYO DEL 1808


El dos de mayo del 1808, es una de las obras más conocidas de Aragones Francisco Goya. Este cuadro está depositado en el Museo del Prado en Madrid, España. Éste cuadro no se pintó al iniciarse la contienda, sino al finalizar ésta en 1814. Goya a querido representar aquí un episodio de la ira popular: el ataque del pueblo madrileño, mal armado, contra la más poderosa máquina militar del momento, el ejército francés.

En el centro de la composición, un mameluco, soldado egipcio bajo órdenes francesas, cae muerto del caballo mientras un madrileño continúa apuñalándole y otro hiere mortalmente al caballo, recogiéndose así la destrucción por sistema, lo ilógico de la guerra.

Al fondo, las figuras de los madrileños, con los ojos desorbitados por la rabia, la ira y la indignación acuchillan con sus armas blancas a jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el ataque e intentan huir. Es significativo el valor expresivo de sus rostros y de los caballos, cuyo deseo de abandonar el lugar se pone tan de manifiesto como el miedo de sus ojos.

Goya recoge con sus pinceles cómo pudo ser el episodio que encendió la guerra con toda su violencia y su crueldad para manifestar su posición contraria a esos hechos y dar una lección contra la irracionalidad del ser humano, como correspondía a su espíritu ilustrado. La ejecución es totalmente violenta, con rápidas pinceladas y grandes manchas, como si la propia violencia de la acción hubiera invadido al pintor. Lo más destacable del cuadro es el movimiento y la expresividad de las figuras, que consiguen un conjunto impactante para el espectador.

EL FUSILAMIENTO DEL TRES DE MAYO


El tres de mayo de 1808 en Madrid también conocido como Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo es un cuadro del pintor aragonés Francisco de Goya completado en 1814 que se conserva en el Museo del Prado de Madrid intención de Goya al elaborarlo es plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del Levantamiento del Dos de Mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Española. Su pareja es El dos de Mayo de 1808 en Madrid también llamada La carga de los mamelucos.

Contrasta demasiado con su pareja, La carga de los mamelucos. Aquí la fuerza escénica recae en el momento previo a la ejecución y no en los instantes de ésta. Los franceses no tienen rostro, a manera de enemigo anónimo y mortífero. Señala Glendinning que el único intento de Goya por suavizar el tremebundo impacto psicológico que produce un fusilamiento son los poco claros frontispicios de construcciones.

Saturno devorando a un hijo.


Este cuadro está dibujado por Francisco de Goya en 1819-1823, Dicen que es de los primeros cuadros más horribles que se han hecho nunca. Este cuadro está de exibición en el museo del prado. Esta obra representa al rey Crono o Saturno de la mitología romana. En la acción que estamos viendo se ve como Crono o Saturno devora a uno de sus hijos. Dicen que este tema según los expertos está relacionado con la destrucción. El acto de comerse a su hijo se ha visto desde el punto de vista de psicoanálisis. Podemos ver que este cuadro es muy horroroso porque se ve cómo se come Saturno o Crono a uno de sus hijos. El hijo devorado, con un cuerpo ya adulto, ocupa el centro de la composición. Se ve que el dibujo o la obra de arte está dibujado con aplicadas manchas gruesas.

Goya, igual que hizo Rubens en su Saturno para la Torre de la Parada, ha elegido el momento en que el dios del tiempo desgarra el cuerpo de su hijo para que ninguno pudiera destronarle. Pero Júpiter escapó al rito antropófago de su padre y consiguió acabar con su tiranía.

Un espacio totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la que destaca su deformidad y su rostro monstruoso. Es una magnífica representación de como el tiempo lo devora todo, una de las obsesiones del pintor.

La mayor parte de los expertos coinciden en plantear que la avanzada edad de Goya motivaría una decoración en la que primaba la melancolía y la tristeza por el tiempo pasado, aunque también se hagan referencias al presente. Incluso se ha llegado a ver en esta escena una imagen de Fernando VII devorando a su pueblo.

Forma parte de las 14 Pinturas Negras que decoraban el comedor de la Quinta del Sordo. Aparece el dios de la melancolía como un horrible viejo, deformado y monstruoso, que desgarra con ojos de loco el cuerpecillo de un niño, al que ya ha arrancado la cabeza de un mordisco, mientras clava sus uñas en él. El fondo negro envuelve a la figura en la oscuridad, con algunos toques de blanco y rojo de la sangre. Dramatismo y horror dominan la escena. Las pinceladas son sueltas, en manchas. Estuco actualmente trasladado al lienzo. Simboliza el Tiempo, que todo lo devora.

LA MAJA DESNUDA


    La maja desnuda es una de las más célebres obras del Francisco José de Goya y Lucientes. El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800, fecha de la primera referencia documentada de esta obra. Luego formó pareja con La maja vestida datada entre 1802 y 1805.

    En ambas pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. Se ha especulado con que la retratada sea la Duquesa de Alba pues a la muerte de esta en 1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos majas.

    En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por el predominio de una gama cromática fría se nota la influencia del neoclasicismo.

Ésta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y actitud corporal de la modelo, que parece sonreír satisfecha y contenta de sus gracias.

Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos.

Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida mediante su brillo y delicadeza, suspendida en un espacio oscuro que ella ilumina.



La Maja Vestida: 1802-1805.



La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya.Está realizado en oleo sobre lienzo Mide 95 cm de alto y 188 cm de ancho. Fue pintado entre 1802 y 1805.Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España desde 1910 después de un largo periodo en la Real Academia de San Fernando.


En origen, esta pintura y su «hermana», La Maja Desnuda , recibían el nombre de Gitanas y no Majas. Así aparecen en el inventario de los bienes de Manuel Godoy. que fue su primer propietario. Se supone que se colocaban una sobre otra, la Vestida sobre la Desnuda, para sorprender al público cortesano.


El traje blanco de esta Maja se ciñe de tal forma a la figura, en particular el sexo y los pechos, que parece más desnuda que la otra. La cintura la resalta mediante una lazada rosa. La nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta o bolero, similar al de los toreros, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño.


Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de la Maja desnuda, en que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.


También ha suscitado dudas el objeto rojizo que se asoma bajo los cojines; algunos pensaron que era la empuñadura de una daga o puñal, lo que acentuaría las connotaciones novelescas y eróticas del retrato. Otras fuentes creen que es un abanico cerrado.


2009/03/04

“La Fragua de Vulcano”, de Diego de Velázquez.


· La obra “La Fragua de Vulcano” la realizó el artista Diego de Velázquez.

· La obra fue realizada en Italia en el año 1630, y ahora mismo se puede ver en el Museo del Prado, que está en Madrid.

· En la obra se puede ver cómo unos herreros están trabajando con el Metal y en ese preciso momento se puede ver cómo el dios Apolo visita ese lugar.

· Diego de Velázquez realizó la obra en Roma, sin mediación de encargo.

· La obra fue sacada de la mitología romana; en concreto, de la metamorfosis de Ovidio

· Diego de Velázquez siempre estuvo por conseguir la profundidad en sus bellas obras. Así, en esta pintura Velázquez inició sus ensayos de perspectiva aérea con la otra figura que está de espaldas en primer término. El fuego de la fragua proporciona luz y sombras mientras que el halo de Apolo hace que entre claridad por la izquierda.

· También se advierte el interés mostrado por conseguir el efecto espacio, recurriendo a disponer figuras en diferentes planos, ocupando todo el espacio, relacionándose a través de líneas en zig-zag.

"Las Meninas", de Diego de Velázquez.



Conocida popularmente desde el siglo XIX como «Las Meninas», La familia de Felipe IV es, probablemente, la obra más importante del pintor español Diego Velásquez, realizada en el año 1656 y expuesta en el Museo Del Prado de Madrid. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte.
En Las Meninas se puede estructurar el cuadro en diferentes espacios. La mitad de la obra está dominada por un espacio desértico, en el que Velázquez pinta el aire, y un espacio virtual hacia donde el pintor dirige la mirada que es donde, se supone, están los reyes o bien los espectadores.

Personajes:
1- La infanta Margarita
2- Doña Isabel de Velasko
3- Doña María Agustina Sarmiento de Sotomayor
4- Mari Bárbola
5- Nikolasito Pertusato
6- Doña Marcela de Ulloa
7- El personaje que está a su lado, medio en penumbra, es un guardadamas pero no lo menciona Palomino en su relato, aunque los estudios recientes aseguran que se trata de don Diego Ruiz Azcona
8- Don José Nieto Velázquez
9- A la izquierda y delante de un gran lienzo, el espectador ve al autor de la obra, Velázquez
10 y 11- Felipe IX y su esposa Mariana de Austria
La escena representa el momento en que Velázquez esta pintando en su taller y la infanta, con su pequeña corte se a acercado para ber como trabaja Velázquez, costumbre habitual en palacio. En este instante aparecen los reyes que van de paso, echo que se constata por la presencia del apostador, cuya función era abrir abrir las puertas a sus majestades, al fondo de la escena. Esta interrupción provoca diferentes actitudes en los personajes:unos saludan y otros permanecen ajenos a la aparición.
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2009/03/03

LA RENDICION DE BREDA O LAS LANZAS, DE VELÁZQUEZ


La rendición de Breda o Las lanzas es óleo sobre lienzo, pintado poco antes del año 1635 por Diego Velázquez. Se encuentra en el Museo del Prado de, Madrid.

Este cuadro esta situado en los Países bajos los cuales estaban inmersos en la guerra de los ochenta años o guerra de Flandes, en la que luchaban por independizare de España.


Velázquez desarolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse , lo cual es impedido por su contrincante que pone una mano sobre su hombro y le impide arrodillarse.


Las Tres Gracias, de Peter Paul Rubens (1640)


Las Gracias de Rafael pueden citarse como tipo de belleza ideal mientras las de Rubens pueden serlo de la belleza más sensual.

La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo.

Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Parecen más bien tres desenvueltas bacantes que las pudorosas Cháritas de la Mitología helénica. Estas carnaciones claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado por un árbol a la izquierda y una cornucopia dorada a la derecha, de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima.

A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran sutileza. En él pueden distinguirse pequeños animales pastando.

2009/02/06

American History X



Pelikula hau 1998. urtekoa da. Tony Kaye-k zuzendua da. Eta protagonistak, Edward Norton (Derek vinyard) eta Edward furlong ( Danny vinyard) dira.

Zuzendaria:Tony Kaye

Produkzioa:John Morrisey

Gidoia:David Mckenna

ARGUMENTOA:

Pelikulak Derek Vinyard-en istorioa narratzen du. Derek neonazi talde batean dago sartuta. Talde hori azaltzen da beltzen bandak mutil txuriak jotzen zituztelako. Derek bere hiru anaiekin bizi da eta bere amarekin, bere aita suhiltzailea zen eta su bat itzaltzen ari zenean hil zuten koloreko jendeko auzo batean. Horregatik hasi zen Derek beltzen kontra jartzen.

Txuriak beltzen kontra saskibaloiko partida bat egin zuten eta kantxa-ren jabetzaz apustu egin zuten. Txuriak irabaztean beltzak gau batean bere kamioneta lapurtu nahi zuten, baino Derek konturatu zen eta beltzak hil zituen (bat oso era biolentoan hil zuen). Horregatik kartzelara hiru urte bidali zuten.

Derek kartzelan zegoenean Danny bere anaia bere pauos berdinak hasi zituen egiten.

Derek, kartzelan zegoenean arraza askotako jendez zegoen beteta, baina bera neonazi talde arriskutsu batekin juntatzen da, eta neonazi haiek Mexikoko jendearekin negoziatzen ikusten dituenean hasarretzen da eta taldetik joan egiten da.

Egun batean dutxetan dagoenean taldea agertzen da eta bortxatu eta jo egiten dute Derek.

Konturatzen da babes gabe dagoela eta lagunik gabe ere, baina azaltzen da koloreko pertsona bat eta laguntzen dio; hor aldatzen du pentsamenduz.

Kartzelatik atertzen denean bere anaia Danny ideologia horretatik saiatzen da ateratzen eta kontatzen dio zer gertatu zaion. Orduan bere anaia hori entzutean konturatzen da eta atera egiten da.

Egun batean Derekek bere anaia Dannyri laguntzen dio eskolara, bere anaiak lan bat entregatu behar zuelako. “Historia Americana x” kontatzen duena da bere anaia Derek-en historia.

Orduan, Derek joaten ari denean gaizki sentitzen da eta institutura korrika joaten da, baina berandu da zeren eskolako komunetan koloreko mutil batek bere anaia Danny hil du. Eta hor bukatzen da pelikula.

ErRomaKo KoLiSeOa



Erromako koliseoa, jatorrian Flaviar anfiteatroa deitua, Erroma erdialdean aurkitzen de eraikin handi bat da.
K.a. 29an, Estatilio Tauro arkitektoak eraiki zuen, Marteren zelaian.
Egitura, lurrikara eta erasoen ondorioz oso kaltetua dagoen arren, Koliseoa, beti ikusi izan da Erroma Inperialaren ikur bezala.
Koliseoa, Erdi Aroko Erromaren mapa batean irudikatua. Koliseoak aldaketa handiak jasan zituen bere erabilerari dagokionez. Erdi Aroan, VI. mendearen amaieran, eliza txiki bat eraiki zen anfiteatroaren egituraren barnean, itxura batean behintzat, eraikin osoari esanahi erlijioso bat eman ez zion arren. Eta hondarra, hilerri bihurtu zen.

CREPÚSCULO




FILm hau 2008ko abenduak 5 atera zuten, lehenago liburuak atera zituzten.

Pelikula honetan banpiroak azaltzen dira: pelikula irreala ematen du, banpiroak ez direlako existitzen. Edwarrek eta bere familia urte askotatik daramate juntu.

Amodioa ikusten da, banpiroa den 17 urteko gizon batena eta emakumea ez dela banpira, beraien artean erlazio ona daukatenak. Lehenengo egunean Bella, protagonista dena, Forksera iristen da, bere aitarekin denbora batean bizitzera, institutuan ezagutzen ditu pertsona berriak eta Edwardetaz enamoratzen da.

Bella konturatzen denean Edwardek banpiroa dela ez da beldurtzen, berak badakielako mutila berataz maiteminduta dagoela. Banpiroak oso politak dira, urre kolorezko begiak dituzte, baina egarria daukatenean begiak kolorez aldatzen zaizkie eta beltzak azaltzen dira.

Badaude ere banpiro gaiztoak, James, Victoria eta Laurent, pertsonak jaten dituztenak, Cullen familiakoei begetarianoak deitzen diete , ez dituztelako pertsonak jaten, bakarrik animalien odola edaten dutelako.

Rosalie, Jasper, Emmet, Alice, Carlisle eta Esme mutilaren familia da, Rosalieri ez zaio gustatzen Edwardek Bellarekin ateratzea. Filmaren bukaeran James, Victoria eta Laurent entzuten dituzte Cullenak, beisbolera jolasten ari direla eta beraiengana ailegatzen dira beraiekin jolasteko intentzioarekin, baina jolasten hasterakoan airea egiten du eta Jamesek usaintzen du Bellaren usaina.

Bella Fenixera iritsi zen Jasper eta Aliceekin. Han Bellak pentsatzen du Jamesek bere ama daukala eta berak agintzen dion lekura joaten da, bakarrik. Han Cullenak James hiltzen duteta Bellak ospitalean bukatzen du; gero Forksera bueltatu eta Edwardekin dantzatu zuen institutuko festan.


EULIEN UGAZABA (1990). WILLIAM GOLDING

EULIEN UGAZABA (1990). WILLIAM GOLDING

WILLIAM GOLDING: Kornuallan jaio zen 1911. urtean. Aita bezala irakasle izana garai batean. Bizitzari eta giza izateari buruzko alegoriak izaten dira sarritan bere lanak, eta ikuspegi orijinalaz gain bere pesimismoa nabarmen daiteke beroietan, mundu-gerrak areagotutako joera beharbada. Goldingen lehen liburua izan zen 1954an Lord of the Flies hau, eta eleberri hauxe du oraindik ere ezagunena. 1983an Nobel Saria eskuratu zuen idazle ingelesak.Ikasle talde bat ikusten dugu, hegazkin baten istripuaren ondorioz uharte batean bizi behar duena. Pertsona heldurik ez dagoenez, bere kasa moldatu beharko dute gaztetxo hauek. Eta elkarbizitzaren gainbeherak, degenerazio psikologikoak... bi talde sortuko ditu


lehen taldea saiatuko da ordena eta arauak gordetzen (gizarte demokratiko bat eraikitzen). Talde horretako pertsonaiarik aipagarriena Piggy da, intelektualen sinbolo dena. Honekin batera Ralf liderra eta Simon ikertzailea ikusten ditugu.


bigarren taldeak, ehiztariek, arauetatik libre izatea bilatzen duela ematen du, baina garbi dago ez duela lortzen arau guztietatik askatzea. Bigarren talde honek erakutsiko du gizakiaren alderdirik basatiena eta gaiztoena. Azken batean, denok gaudela boterearen irrikitan eta natura guztiok guztion aurkako guda egiteko deia besterik ez dela: <>.


Bukaera hori askoz erosoagoa izan zitekeen, irakurlearentzat, jasandako tentsio guztien ondoren, ofiziala ikustea lasaigarri baita. Haurrak ere ofizialaren begiez ikusiko ditugu, eta orduan konturatuko gara haurrak besterik ez direla. Baina Goldingek ez du normaltasunera itzultzeko aukerarik eskaintzen, ez du ezer orekatzen, ez du bukaerako egoera orekaturik aurkezten. “...begirada han urruneko kruzero segailerantz zuzenduz” esanez bukatzen da eleberria. Badirudi ofizialak egiari ihes egiten diola, ez duela errealitatea ikusi nahi, edo uhartean gertatutako biolentzia guztia onartzen duela. Gizaki helduak ere, gizarte osoa azken batean, kondenatzen ditu idazleak bukaera honen bitartez.
Literaturan askotan gertatzen dena ikus daiteke liburu honetan ere: liburu irekia da, elkarren aurkako bi irakurketa onartzen dituen eleberria:
Gizakia, araurik ez dagoenean, bere beldurrek eta handinahiak menderatzen dute. Gizakia ez da berez ona, basapiztia bat baizik. Uharte horretan sortzen den kaos hori gizakiak berarekin daraman izaerak sortua da.
Hezkuntza zapaltzaile batek (biolentzian oinarritutako gizarte batek) sortutako basakeria baten aurrean gaude; gizakia, berez, ona da (Rousseauren aipamena), baina ikasle hauek gizartearen biktima dira.


MAMÁ, HAY UN HOMBRE BLANCO EN TU CAMA


“MAMÁ, HAY UN HOMBRE BLANCO EN TU CAMA (1989)” pelikulaz
Komedia erromantiko bat da, ikusteko oso atsegina.
Romuald enpresa garrantzitsu bateko lehendakaria, exekutibo aberats bat da, arazo pertsonalak eta familiarrak dituena Eskandalu batean sartuta aurkituko da bat-batean, eta lagun diezaiokeen pertsona bakarra arratsaldez bulegoa garbitzen dion emakumea da. Emakume beltz bat da: hainbat aldiz ezkonduta egon dena eta bost seme-alaba dituena.
Garbitzaile baten eta ezekutibo baten arteko maitasun harremana kontatzen du. Gizonezkoa zuria da, emaztea eta maitalea ditu, eta emazteak ere engainatzen du bera. Emakume beltzak bost seme-alaba ditu bost gizonezko desberdinekin. Bien arteko maitasuna, ezinezkoa dirudiena, errealitate bihurtuko da, eta hori da inporta duena. Beste guztia (dirua, maitaleak, jendearen esamesak, estatusa…) txorakeria hutsa da.
Tolerantziaren eta mestizajearen aldeko filma da, aberastasun iturritzat hartzen dituena.
Eta, horrekin batera, familia ereduen gaia ere planteatzen du. Familia eredu desberdinak aurkezten dizkigu hasieratik, eta eredu batean nahiz bestean ikusiko ditugu arrakasta edo porrota.
Filmaren hasieran batzuen eta besteen bizitzak konparatzen dira; paraleloki doaz: gosaria, afaria, gauez irtetea...
Lehen zatiak ekonomiarekin du zerikusia
Bigarren zatian komedia erromantikoa nagusitzen da

2009/01/16

Sandro Botticelliren “Venusen Jaiotza”



“Venusen Jaiotza” artelana, Sandro Botticelli italiarraren ospe handiko artelanetako bat
izan da (1445-1510).

Venus maitasunaren jainkoa da, Urano jainkoaren arrautzei esker munduratua. Uranoren arautzak bere Cronos semeak moztu zizkion, eta itsasora bota.Artistak azaltzen duen irudia edo momentua Venus jainkoaren itzulia da Citera uhartera. Jaiotzaren ondoren.Homerok botatzen duen haizeak laguntzen dio. Venus irudiaren erdian azaltzen da eta kontxa baten gainean dago.Venuszuri- zuria Cefiro haizearen jainkoaz lagunduta dago, eta Cefiro Aura brisaren jainkoarekin dago besarkatuta. Artelana udaberrian dago oinarrituta.

2009/01/15

“LA PIETA”, DE MIGUEL ANGEL


Esta maravillosa obra es de bulto redondo, que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista es frontal.

Aparece una virgen joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues; sostiene al Hijo muerto. Intencionadamente, la Madre aparenta mayor edad, en una composición triangular sosegada y llena de ternura.

Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras da los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado. En el interior de bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado. Lo demás es cuestión de técnica y pacencia hasta descubrir las formas concretas.En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura, los ejes del cuerpo de Jesús se contraponen a los pliegues curvilíneos y ángulos de los vestidos de la Virgen María. El brazo derecho de Jesús cae inerte.Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida y conmiseración. Por último, los pliegues de la Virgen aparecen con oquedades formas contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jésus, expresados en “sfumato”.

2009/01/14

“DAVID” DE DONATELO


El David es una escultura de bronce de 1.58cm de altura, obra del escultor italiano Donatelo. La obra fue realizada entre 1440 1430 según algunos expertos, por encargo de Cosme de Midici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el museo de Brgello.

Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composicón claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la antiguedad clásica.

“DaViD” dE mIgUeL aNgEl


David es un personaje biblico-histórico; Era un pastor del rebaño de su padre, y tras vencer al gigantesco Goliat se convirtió en rey del pueblo de israel.

La obra tuvo mucho éxito en su época. Esta escultura la hizo Miguel Angel a sus 24 años. Mide 4.09m y se talló con mármol. El encargo de Miguel era para ponerla en la catedral de Florencia.

David aparece en la obra con una expresión desafiante.

La escultura tiene una gran perfección anatómica, vigor, vitalidad y belleza, fusionando la armonía y belleza clásica.

Al ver la obra decirieron ponerlo en frente de la casa del gobierno. Al final se convirtió en un símbolo de la república. A los escultores les parecía una obra maestra. La figura está en tensión, con los ojos fijos en su objetivo.

HeChO y EsCrItO :I.cAmPo

LA CREACIÓN DE ADÁN,MIGUEL ANGEL BUONARROTTI.


La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Angel alrededor del año 1511. Es el episodio bíblico del génesis en el que Dios le da la vida a Adán, el primer hombre. Es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, de los últimos en ser completado y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas del mundo.


La composición de este cuadro es que Dios se encuentra representado como un anciano con barba envuelto en una bata la cual comparte con unos ángeles. Su brazo está alrededor de una figura femenina, interpretada como Eva, la cual no ha sido creada aún. El brazo derecho se encuentra estirado para impartir la chispa de vida de su propio dedo y el brazo de Adán se encuentra en la misma posicion que el brazo de Dios. Adán está representado como un atleta en reposo. Las posiciones de Dios y Adán se basan en el Génesis, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Dios se encuentra flotando en el aire, mientras que Adán está en la tierra. El nombre de Adán viene del hebreo y significa hombre.

En el cuadro la figura de Adán ya está modelada y solo necesitaba la fuerza de Dios.Entonces, ahi es cuando levanta la mano y Dios lo toca dándole así la fuerza necesaria para vivir.

2009/01/13

"LA ESCUELA DE ATENAS"; RAFFAELLO SANZIO, RAFAEL (1483-1520)




LA ESCUELA DE ATENAS (1509-1511)


La escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue pintada entre 1510 y 1511 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael. Su base es de 770cm. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.

La escuela de Atenas muestra a los Filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. La arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante .

El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro.

2009/01/09

"AiToRmEnA" abestia (HeRtZaInAk)

Maitasun kanta bat da. Dirudienez, bukatzen ari den maitasun baten ingurukoa.

Batzuen ustez, drogarekin lotuta dago abestia; kasu honetan, hala ere, badirudi ez duela heroina kriminalizatzen (abestiak dioenez, heroinarekin pasa ditu bere bizitzako momenturik onenak). Eta horregatik, heroina uztea mingarria eta askatzailea da beretzat aldi berean.

Beste batzuen ustez Hertzainak taldearen bukaeraz ari da.

Gaia bata izan edo bestea izan, aipagarria da lau aldiz azaltzen den askatze proposamena "behin baino lehen aska gaitezen".

2009/01/08

"LAU TEILATU" abestiaz (Juan Carlos Perez, ITOIZ)

1. Maitasun kantu misteriotsu bat da, oso musika erraza, sarkorra baina era berean magikoa daukana.

2. Bere letra ere misterio bat dea: zatika egindako esaldiekin osatua dago letra hori, eta zentzua esaldi bakoitzean hasi eta amaitzen dela dirudi.

3. Gau-giroak, lau teilatuen aipamena, ilargia erdian eta promesa ederrak: “ta berriz izango gara, zoriontsu, edozein herriko jaixetan”.


"LoS oTrOs" PeLiKuLa



Pelikula hau 2001.ean egin zen Britania Handian. Zuzendaria Alejandro Amenabar espainarra da.
Los otros-en aktoreak Nicole Kidman, Fionnula Flanagan,Christopher Ecclestone, Alakina Mann eta James Bentley dira.
Nicole Kidman (Grace) da pelikularen pertsonaia nagusia: emakume ingeles eder bat, kultua, zorrotza, katolikoa da, eta bere bi seme-alabekin bizi da Jersey uharteko etxe viktoriar batean, bere hiru zerbitzariekin.
Pelikula hau beldurrezko filma da, baina ez da hilketarik eta odolik agertzen. Filma pixka bat motela da, baina oso beldurgarria.
Mamu-istorio bat kontatzen du, eta mamu-istorioetan ohikoak diren hainbat elementu agertzen dira: bakarrik jotzen duten musika-tresnak, lainoa, bakardadea...
Pelikulan pixkanaka-pixkanaka argitzen dira etxe horretako sekretuak, eta pertsonaiak konturatzen dira ez daudela bakarrik leku edo etxe horretan.
Pelikula honetan Alfred Hichcock zuzendariaren eragina sumatzen da , eta ematen du Amenabarren ere onartzen duela eragin hori , bera ere ,Hichcocok bezala pelikulan agertzen baita hildakoen argazki batean.
Aktoreen lana oso ona da Los Otros-en filman, batez ere Christopher Eccleston(Charles) eta Nikole Kidman(Grace)-ena.
Azkenean protagonistek jakiten dute haiek hilik daudela eta nolabait esateko Los Otros direla.
Guretzako Los Otros filma oso gomendagarria da.





Egileak:Alex eta I.Campo

"EL NOMBRE DE LA ROSA" pelikula


EL NOMBRE DE LA ROSA


1986ko pelikula, Jean-Jaques Annaudek zuzendua. Aktoreak: Sean Connery, Christian Slater...
Ondo egindako pelikula da: iradokitzailea, zaila, zuzena eta ona.
Aktoreeen aukeraketa oso egokia da; makillajeak... espresionismoa gogorarazten digute, eta arte erromanikoa.
Historiako, erlijiozko eta maitasunezko pelikula da. Baina, batez ere, misteriozkoa da.
Pelikularen tokia tristea da, zikina, usain txarrekoa, argitasun gutxikoa... Torturak agertzen dira, eta terrorezko paisaia du.
Eszenak: eszenarik gustokoenak gazteen arteko sexu harremanarena da; hilketak argitzen diren momentua ere aipagarria da.
Erdi Aroko estamentuetan, filman kleroa da protagonista. Herri xehea agertzen da. Noblezia ez.
Filmaren kokapena: Garai Obskurantistan kokatzen da filma, erdi aroaren bukaeran.
Filmaren alderdirik aipagarriena pertsonaien desfile hori da. Pertsonaia harrigarriak dira, eskematikoak.
Filman ikus ditzakegun gauzak dira, azkenik, honakoak: liburu debekatuak, erlijioaren ikuspegi desberdinak, inkisizioa....Eta, batez ere, bi indarren arteko borroka ikus daiteke. Fedearen eta arrazoiaren arteko borroka, mund zahar eta berriaren arteko borroka.

2009/01/07

Xalbadorren heriotzean


Xalbadorren heriotzean

  1. Xalbador bertsolari lirikoa izan zen, oso sentibera. Ogi bidez artzaina zen eta plazaz plaza ibili zen Mattinekin. Bere omenaldi egunean hil zen bihotzekoak jota.
  2. lagun berezi bati dago idatzia.Oso famatua da erramun martikorena-ren bertsioa.
  3. Estribilua bi aldiz entzuten da. Hori da abestiaren zatirik hunkigarriena.
  4. askoren ustez, hau da euskarazko inoizko abestirik politena.Abesti eder eta ezaguna.
  5. Elegia bat da: pertsona ezagun baten heriotzean bere omenez, egiten den poema lirikoa. Heriotzak sortutako tristura azaltzen du.
  6. Xalbadorren nortasuna jasotzen du kanta honek:pertsona bihotz bera,bakardadez josia...
  7. Betirako ilezkortasunean sartu den gizonaz ari da hori adierazten du estrebilo hunkigarri horrek. Gure hildakoak ere gogoratzen dizkigu estrebiloak.
  8. Aipagarriak dira poema honetako kontraesan poetikoak:"plazetako kantari bakardadez josia,oroitzapen den gerora"